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作者：admin 日期：2012/01/12 09:31 人气：

第一章 音乐的起源,极大的限度了法师的禀赋发展
对于人类社会音乐的起源可以追溯到无比古老的洪荒时代.在人类还没有产生语言时,就已经晓得利用声音的高下、强弱等来表达自己的意思和感情.随着人类劳动的发展,逐渐产生了统一劳动节奏的号子和互相间传递信息的吆喝,这便是最原始的音乐雏形;当人们庆祝播种和分享劳动结果时,往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢快之情,这便是原始乐器的雏形.
a、弦乐器来源的传说
墨丘利(Mercury)是希腊神话中诸神的使神.有一天他在尼罗河畔漫步,无意中踩到一个东西,那货色发出了美好的声音.他拾起来一看,本来是一个空龟壳内侧附有一条干涸的筋.于是墨丘利从中得到启示,创造了弦乐器.后人考据弦乐器出现在墨丘利之前,但弦乐的发现有可能恰是从此得到了启发.
b、管乐器起源的传说
在中国古代,距今五千年前的黄帝时期有一位叫做伶伦的音乐家,传说中他曾进入西方昆仑山内采竹为笛.当时恰有五只凤凰在空中飞鸣,他便合其音而定律.虽然这一传说并不完整可托,但把它作为管乐器的起源也未尝不可.原始时代的人类,他们的劳动生活,可以说是和音乐为伴而开拓发展,两者是紧密联系在一起的. 从这个意义上来说,音乐是直接从人类的劳动生活中产生出来的.
第二章 原始人的音乐
古代的两河流域(底格里斯河和幼发拉底河),是重要的人类文化发祥地之一.当时富裕的美索不达米亚地区(今伊朗、伊拉克一带),在公元前四千年已有了较为发达的音乐.当时生活在这一带的苏美尔人已有了类似竖琴式的乐器和几种管弦乐器.在当时的宫廷里已产生了专业的歌手和较大型的乐队.后来,这些较先进的音乐文化逐渐传播到埃及、希腊、印度和中国等古老的国家,中变传奇私服,并在这些地区得到了进一步的不同形式的、拥有民族色彩的发展.虽然各民族、各地区的音乐发展不尽雷同,但其基本的发展方向都是由世俗音乐逐渐趋向于宗教音乐.
第三章 中古时代的音乐
一、中国古代音乐
黄帝是中国历史上最早的君王,他在五千年前就创造了历法和文字.当时,除了前述的伶伦之外,还有一位名叫"伏羲"的音乐家.据说伏羲是人首蛇身,曾在母胎中孕育了十二年.他弹奏的琴原来有五十根弦,但由于声调过于悲伤,黄帝把他的琴断去一半,改为二十五弦.在黄帝时代的传说中,还有一位名叫神农的音乐家,据说他是牛首蛇身.神农曾教人耕作五谷,曾遍尝百草而发明医药,还曾经创造了五弦琴.因此可以天经地义地假想,当时的音乐用的是五声音阶.在中国古代,有关音乐方面的书籍不下三百种.孔子是年龄时期有名的教导家,同时又是一位音乐家,他曾写过许多阐述音乐的随笔,我们可以在论语中看到他对音乐的一些评论.孔子在古琴方面的成就很高,他能本人作曲,并把悲痛与欢喜付诸琴韵之中.孔子把琴艺亲身传授给弟子,在他的三千弟子中,通六艺者就达七十二人.他的教学内容,可称为"诗、书、礼、乐"."礼"是谓理天地阴阳之秩序,"乐"即取得协调.在孔子的哲学中,道德与音乐居于等同地位,他提倡的是以音乐来进步品格.另一方面,中国古代的宫廷音乐多为舞乐,即融诗、舞、音乐于一体,与今天的舞蹈是完全不同的.
二、埃及、阿拉伯的古代音乐
古埃及文化是世界上最古老的文明之一.在金字塔内石壁的雕刻上,我们可以看到音乐演奏者的行列,从而设想出当时演奏音乐的盛况.雕刻中有以手指弹奏的竖琴状弦乐器,还有各种笛类乐器.阿拉伯等地域的器乐也相称发达,很早以前他们就开始使用在一个八度之间分为十七个音名的特殊音阶了.
三、古希腊和古罗马音乐
希腊音乐的起源也覆盖着一层神秘的色彩.传说中阿波罗神主管音乐,下辖九位缪斯(Muse)女神,因此音乐也称为Music或Musik.在希腊乐器中,有一种叫做阿乌洛斯的V字型双管笛,还有一种叫做里拉(Lyra)的手琴,齐特尔(Kithara)则是一种类似吉它的弦乐器,这些乐器都是从埃及或阿拉伯传入的.在古希腊人的生活中,音乐的地位是十分明显的.他们以从埃及和阿拉伯流传过来的东方音乐为基础,逐步加以发展和变化,形成了自己的音乐.古希腊的音乐与诗歌和戏剧有着紧密的联系.在他们那充满魅力的两部荷马史诗和许多著名的戏剧作品中,都体现出了音乐的重要意义.当时社会上一些著名的民间歌手演唱的歌曲,对古希腊音乐的形成和发展,也具有十分重要的意义.古希腊音乐在许多方面都有着重大的造诣.公元前六世纪,古希腊大哲学家和数学家毕达哥拉斯(Pythagoras)用一种称为弦琴(Monochord)的单弦乐器,首先说明出纯律理论,依据弦的长度盘算出了当时所使用的一切音程.毕达哥拉斯音律的发明与应用是音乐理论方面的重大冲破.其次古希腊人还发明了字母记谱法.在乐器的制作上也有着许多勇敢的改革和创造,发明了一批从前未曾有过的乐器.古希腊音乐不但有器乐伴奏的独唱抒情曲,而且还有戏剧音乐和舞蹈音乐等形式. 这些音乐正常都是以单音音乐为主,在内容上大多为宗教题材.古罗马的音乐主要是因循古希腊音乐的伟大成绩.当时的音乐主要是在祭神、婚宴以及军队凯旋时演奏.公元三世纪以来,古罗马大肆向外扩大权势,对附近城邦进行蛮横的侵犯和抢夺.许多古希腊的优良乐师和歌手们都变成了古罗马帝王、贵族和奴隶主的奴仆,因此音乐也就成为专门为统治阶层消遣娱乐的工具.但古罗马的音乐文化并没有沿袭古希腊而停止,一些民间的歌谣、结婚歌曲、士兵歌曲以及音乐舞蹈得到了一定的发展.在一直的发展进程中,出现了用拉丁语演唱的古戏剧. 另外,部队中铜管乐器的出现也是古罗马音乐的主要特征之一.
第四章 中世纪的音乐
一、基督教与中世纪的音乐
在中世纪的欧洲,教会的权利高于国家和其它社会团体.当时,毛毛像来都只晓得放马后炮,一切社会意识形态,包括各种艺术以及哲学在内的各方面都要为教会服务,因此中世纪的音乐借助于基督教而获得了不寻常的发展.可以说从音乐的全体理论到记谱法,从合唱、合奏到键盘乐器的兴起及教养,无一不是与中世纪的教会休戚相关的.今天的交响乐和歌剧虽然在内容上绝大部分是描写世俗的,但它们与中世纪的教会也有着千头万绪的联系.教会音乐,最初是一成不变地采用了从犹太王国传来的形式,即歌唱圣诗、朗读圣经,是纯洁的声乐.宗教音乐从来以声乐为主,这是因为声乐有歌词.与此相反,器乐重要是作为世俗音乐而得以发展起来的.从原始的单音音乐过渡到复调音乐,是中世纪音乐的重要特征.此外,中世纪音乐在理论上也有了很大的发展,实现了对位法和线谱记谱法.乐器的发明与制作也有了不小的进展,长号、小号和圆号等乐器在当时已广为流行,弓弦乐器(如维奥尔琴)也有了广泛的运用.
二、罗马风格
"罗马风格"一词起源于当时的修筑用语.罗马式音乐是世界艺术史上最伟大的留念碑式的遗产之一.这种音乐既无和声也无伴奏,它的特征是以齐唱形式为主,通过教堂天井的覆信而产生庄严的和声感,其纯朴、清丽的宗教感情与罗马风格的教堂修建一模一样.罗马式音乐是中世纪时期的重要音乐形式之一,其代表当首推格雷戈里圣咏(Gregorian Chant)mm 一种典型的天主教音乐,它是纯粹的单旋律歌唱.在漫长的中世纪里,格雷戈里圣咏对音乐做出了重要奉献.在格雷戈里圣咏中,已经有了多利亚调式、弗利几亚调式、里第亚调式、混杂里第亚调式等四种教会调式及其变格调式.到了十六世纪,出现了爱奥尼亚调式及多利亚调式,进而演化成本日的大、小调音阶.格雷戈里一世时代,曾在罗马设立过称为"歌唱班"的教学圣咏的学校,这可谓世界上最早的音乐学校之一了.安普罗修斯( Ambrosius,340-397)圣咏则收集了在教会中所唱的歌曲,并为教会音乐制订了由七音组成的四种教会调式音阶,还创造了对唱等形式.在圣咏中,歌词极为完美地与语言的语势、音调高低和节奏关联结合在一起,它们把宗教感情表达得尽如人意,可以作为这一时代音乐艺术的总结.
三、中世纪的世俗音乐
中世纪的音乐是以宗教音乐为主的,当时的音乐运动也只局限于在教堂的范畴内,而民间风行的 世俗音乐是被制止的.固然如斯,在民间仍有许多流落歌手和游吟诗人.这些困窘的、社会地位极低的民间艺术家们对于宗教音乐对音乐艺术的枷锁非常不满,他们应用各种方式在民间普遍传布世俗音乐.这种音乐(包括夸奖诗、恋情歌曲、牧歌和讥讽歌曲)在形式和内容上都较濒临民风世俗,充斥着民间的感情.这种民间的世俗音乐在当时已开始酝酿成为一种潜在的音乐潮流,到"文艺复兴"时期,这种音乐潮流随着社会形态的发展与改变,逐渐代替宗教音乐而成为音乐艺术的主流.
第五章 文艺复兴前及文艺复兴时期的音乐
从十一世纪末到十三世纪末,欧洲发生了十字军东征事件.这一历史事件对于东西方文化交换起了宏大推动作用,在音乐方面则表现为游吟诗人、游吟歌手、抒怀歌手等人物的出现.他们使用的是类似竖琴的小型手琴或古提琴族内的乐器,他们的演唱波及情歌、叙事诗式的故事、做作的讴歌诗以及宗教和道德等方面的内容.从十三世纪中后期到十四世纪,哥特风格的艺术在北欧悄悄兴起,并明显地表现于建造方面.在音乐中,哥特风格虽然不形成代表一个时代的形式,但在起始于奥干努姆(Organum)的复调形式中,却相称明白地表现出哥特风格的特征.在十三世纪的经文歌中,除了肃穆的格雷戈里圣咏的固定旋律外,还有采用舞蹈和爱情歌曲的旋律,配以不同歌词和拍子共同歌颂的形式.十四世纪下半叶,欧洲的社会心识形态开始发生深刻的变化.一些进步的、具备推进意义的新思维酝酿并逐步流传开来.其中最有代表性的即人文主义思惟.人文主义主意以人为本,人是社会的主宰而并非是神.颂扬人类对生涯的酷爱以及人类的智慧,信任人的力气能克服所有.倡导人道,反对中世纪的 禁欲主义.在人文主义思潮的影响和推动下,欧洲产生了一场涉及政治、文明等多方面的深入的变更mm"文艺复兴"活动.继文学、美术等文艺形式之后,音乐也进入了"复兴"时期.这一时期的音乐,世俗音乐越来越占领更加重要的地位.音乐作品中对于人的心坎世界以及天然美的描述变得十分凸起,以此形成了全新的音乐风格,并产生了众多的器乐体裁和歌剧形式.一些富有个性的作曲家如帕勒斯蒂里那、拉索、兰迪诺、杜法伊和蒙特威尔第等人进行着出色的音乐活动.他们的创作布满着新音乐的偏向,存在重要的开拓意义.在这个时期里,音乐艺术是全面发展的,当时的复调音乐在 十六世纪已发展到黄金时代.音乐实践在这时期也趋向成熟:大小调的调性系统已基本确立;和声的功效体制也正在萌芽和发展中;记谱法已由字母法和符号法转为二线谱、四线谱直至五线谱;对位法的利用也已到了十分丰盛的程度.这一时期中,器乐的独破性越来越强烈;乐器的发展也逐步加快了步调.当时的古提琴、短号、小号、长号、管风琴和琉特琴等乐器都已活泼在音乐舞台上,而文艺复兴后期小提琴和古钢琴的出现,更使音乐艺术增加了刺眼的光荣.
第六章 巴洛克时期的音乐
一、巴洛克风格
音乐的巴洛克时期通常以为大体是从1600年至1750年,即从蒙特威尔地开端,到巴赫和亨德尔为止.1750年,对位法巨匠约翰.塞巴斯蒂安.巴赫的寿终正寝,标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结,也标志着巴洛克时期的终结.之所以称这一时期为巴洛克,是因为一时期音乐表达的技巧及方法根本上有它必定水平的独特点,所以用此名词来标记,并无特别的意思.巴洛克(Baroque)一词来自法语,寻根究底是葡萄牙语barroco,意谓状态不圆的珍珠.是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的,而且个别含有贬意,指简陋曲、奇怪的、夸大的音乐.巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和标准化,在他们看来,巴洛克音乐过于夸饰而不够规范.因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品.当初,跟着时光的推移,我们能够用更为深刻和过细的历史目光来对待这一时期的音乐,巴洛克不复有粗陋跟毛糙的含意,然而比之巴洛克前后的音乐作品,它确切存在着夸饰和有些不太法则化的特征.文艺振兴时期的艺术讲求清晰、同一和和谐.但至十六世纪末期,艺术中感情的因平日益增添,明净明澈和完善的形式被抒发情感的需要所压倒.在美术中可以从卡拉瓦乔(1573-1610)的颜色浓郁的、戏剧性的绘画中看到.在音乐上咱们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪,而他们的下一代则更往前发展了.要制作出这些强烈的效果,必需发展一种新的音乐风格.普通地说,文艺复兴时期安稳的复调音乐已不适合新时期所须要的特点.巴洛克时期最重要的创培养是"对比"的概念.文艺复兴时期的音乐 进行流畅,各个声部(通常为四至五个声部)彼此交错,同步进行.1600年当前这种织体日渐少用,只有在教会音乐中才干见到,这是由于教会音乐受传统及固定的星期礼式所约束,因而是最为守旧的."对比"可以表现为各个不同的方面:音的高与低;速度的快与慢(快与慢的段落对比或快慢声部间的对照);力度的强与弱;音色的不同;独奏(唱)与全奏(合唱)等等.所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在,各有它们的地位.很多巴洛克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式(此词自身意味着显明的对比因素),这种形式的基础特色是织体的变换,有时用一个声部 (独奏)或多少个声部,有时用较大的群体独奏.最显著而强烈的比较是当时呈现的一个新的体裁叫做"单声部歌曲"(monody),它是一种独唱歌曲,大抵是在上面有一个流利的人声声部,配以琉特琴或羽管键琴的伴奏,1.95金牛合击,伴奏的进行较为迟缓,这一文体的代表人物(在某种程度上可以说是发明者)是作曲家兼歌手卡奇尼(Caccini,约1545-1618)在他划时代的作品《新音乐》(Le nuove musiche)歌集中,人声的旋律依循歌词的意义,变化极大,在节奏和织体上可以从很俭朴到十分富有装潢性;而且又与几乎固定不变音型的伴奏声部构成对比. 卡奇尼属于佛罗伦萨的"卡梅拉塔会社"(一个由音乐家、诗人、贵族组成的团体)成员,他在十六世纪七十至八十年代接触到将古希腊音乐中表示感情的观点加以再创造的概念,这个集团遵守这个概念采取了"单声部歌曲"的形式.上述"伴奏"这个词,在文艺中兴时期音乐中几乎不必斟酌,作为一个观点,它属于巴洛克时期,它象征着乐器声部之间的位置不同.事实上巴洛克音乐最重要的特点是它的伴奏局部即通奏低音.通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴(或拨弦乐器琉特琴或吉它)上奏出低音声部,上面标出数字唆使 他应演奏的填充和弦.通奏低音常常由两个人演奏,一人用大提琴(或维奥尔琴或大管)一类可延伸音响的乐器演奏低音声部,另一人吹奏填充和弦.这种应用通奏低音的织体是:上面一个人声或乐器的旋律声部,底部是一个低音乐器,旁边填以和声,这是典型的巴洛克音乐的风貌.上面的声部也常有用两个的,有时是为两个歌手写的,有时是两把小提琴(此时即称三重奏鸣曲),此种构造在巴洛克音乐中也很典型,特别是通奏低音不能或缺,阐明由低音发生和声的概念对巴洛克音乐是如何主要,是它的核心.这个概念的涌现并不忽然,在十六世纪中已有将低音声部差别于复调音乐中 上面其余几个声部线条的,但只是到了巴洛克时期这种风格才明白地断定下来.与上述的变更一起,而且是有关的,是废弃复调(更准确地说,复调音乐成为一种老式的方式,简直只用于教会的某一类音乐中).器重和声必定导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点,这些终止点称终止或收束,是因为某一种尺度的一系列和声进行而造成的.与此相干的是节奏的进行,在声乐中,旋律要表白歌词的感情,必须依照(甚至夸张)语言的天然节奏;在器乐中(包含一些声乐,特殊是合唱曲)有用舞蹈节奏的.由于低音用了舞蹈音乐的节奏型,加速了调性感到的发展以及 向某一个特定的音进行的趋势性.与此同时,新乐器品种的出现加速了这个过程,其中最重要的乐器为小提琴族系.当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清楚但却缺少节奏的能源感,而小提琴干净明快的运弓以及其演奏光辉技巧乐曲的才能适合演奏跳舞节奏的音乐,与单声部歌曲比拟更有施展技能的能力.声乐风格与器乐风格的交替进行是典范的巴洛克的伎俩,巴洛克音乐中有这样两种不同作风的交替进行是为了离奇和效果.巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲(绝对于前一个时期复调音乐而言)以及与此相接洽的 体载歌剧与清唱剧,强调语音与音乐的严密结合,在歌剧中还有布景的后果.单旋律音乐中不使用对位,其情势是由旋律与低音相联合发展起来的,如分段歌形式,回族曲结构,在重复出现的低音声部上的变奏.在乐器方面也有相应的发展,如合适于演奏通奏低音组合的乐器,以及替换维奥尔琴族系的小提琴等,小提琴族系乐器更机动而且能演奏较高的相似人声的音域.
二、巴洛克时期欧洲各国的音乐
巴洛克时期,音乐艺术得到了前所未有的迅猛发展.并且促成了后来的洛可可(Rococo)艺术的 崛起.这一时期的音乐以德、意、法等几个国度最具代表性.
1. 巴洛克时代的德国音乐
巴洛克时代的德意志音乐,以许茨、巴赫和亨德尔为代表.假如把中世纪以来的复调音乐比做金字塔,他们的音乐就比如是塔顶,因为他们岂但接收了文艺复兴以来意大利的新音乐,而且开辟了一条全新的途径.许茨(Heinrich Schutz,1585-1672年)二十四岁时赴意大利留学,师从于威尼斯乐派的大手笔加布里埃利(Giovanni Gabrieli,1557-1612).回国后,他发表了第一部德文歌剧《达夫内》,后来还创作了许多的受难曲.许茨与巴赫和亨德尔偏偏相差了一百年,他的风格对于这两位巴洛克音乐大师的创作有侧重要的影响.亨德尔和巴赫的音乐作品,无论在传统音乐的集大成方面,仍是在跟随新思潮方面,都在音乐史上喷射着异彩.亨德尔的作品多为歌剧和清唱剧音乐,在他的器乐作品中也含有强烈的声乐因素,这显然是受了意大利的影响;巴赫音乐则在声乐作品中含有强烈的器乐因素,这为古典主义时代的到来奠定了坚实的基本.
2. 巴洛克时代的意大利音乐
歌剧这一伟大的艺术形式,出生在"音乐的摇篮"mm欧洲文明古国意大利.在当时的佛罗伦萨, 有许多巨大的艺术家和一批对古希腊艺术很感兴致的贵族.这些贵族信心赋予希腊戏剧以新的性命,于是他们开始给古老的希腊故事谱曲,并由合唱队穿上戏装把全部故事演唱出来,这就是歌剧的雏形.发展到后来,故事里的角色分辨由歌唱者担负;在合唱节目之间,则由男女歌唱家分离担任独唱.当角色的话语柔柔时,台词被处置成半唱半说,这种歌唱很象一首赞扬诗,被称为宣叙调;而强烈的感情则是真旋律来表现的,称为咏叹调.而后,咏叹调被专门用来夸耀歌手的美妙音色.当时,一部歌剧无论在意大利、英国还是在德国演出,其咏叹调老是用意大利语演唱,而宣叙调部门的演唱则是用 本国语言.在意大利的巴洛克音乐中,可与早期歌剧相媲美的还有弦乐,当时歌剧的古序曲和协奏曲都是以弦乐为主的.这一时期的意大利盛产小提琴家,如托莱利(Giuseppe Torelli,1650-1708)、科莱里(Arcagello Corelli,1653-1713)、维塔利(T.Antonio Vitali,1665-1735)、维瓦尔第(Antonio Vivaldi,1675-1743)、塔蒂尼(Giuseppe Tartini,1692-1770)等,他们都早于巴赫.这些音乐家不但都是小提琴名手,而且全是小提琴音乐的作曲家.意大利北部阿尔卑斯地区的克雷莫纳(Cremona)人中,小提琴制作家堪称层出不穷,如阿玛蒂、瓜内利和斯特拉第瓦利等,他们精心制造的小提琴,至今还活跃在舞台上,展示出无限的艺术魅力.歌剧的序曲必须分为三部分:疾速开始,中间部缓慢,快捷终结,这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式.小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器,至今还是管弦乐队中不可缺乏的乐器,也是极为重要的室内乐及独吹打器.可见,巴洛克时代的意大利音乐影响极为深远.
3. 巴洛克时代的法国音乐
在当时的法国巴黎,歌剧和古钢琴音乐在各贵爵贵族的府邸内极为风行.这一时期的法国歌剧,脱离了意大利歌剧的传统而独立成长,已经靠近于舞剧的形式.在巴洛克时代,法国最具代表性的歌剧作曲家是吕利(Jean Baptiste Lully,1632-1687),他创作的歌剧简练清晰、旋律精美,同时又具有很强的舞蹈性;其内容辛辣、风趣,鞭辟入里.与歌剧同时盛行的是古钢琴音乐.古钢琴经常附以代表巴洛克文化的装饰,它与羽管键琴等同为古代钢琴的前身.当时的古钢琴大师有库普兰(Francois Couperin,1668-1733年)和拉摩(J.P.Jean Philippe Rameau,1683-1764年),他们为古钢琴谱写了许多组曲,其中的良多曲目至今仍广为流传.1722年出版的《和声学概论》(拉摩著),是音乐史上最早的和声学理论著述.
一、音乐中的古典主义
"古典主义"是一个相当不明确的词,它有几种不同而又相关的含义.一种不很恰当的用法是将它指流行音乐以外的音乐,包括所有种类的严正音乐,不论它是何时创作的以及为什么目标而写的.而此处我们所指的是大概1750年开始至1827年贝多芬去世为止这一时期的音乐.所谓"古典的",精确地说,原是指古希腊和古罗马的"经典的古代",那是西方文明两个伟大的时期.多少个世纪过去了,人们回想往昔,而且打算鉴戒那个时代的文化精髓.在文艺复兴时期,人们已经这么做了,巴洛克初期亦然,但始终到十八世纪中叶才真正开始从新发现"古典".特别是考古的发现,展现了一幅简朴、雄伟、安静、有力、优雅的画面,这在新挖掘出来的古希腊和南部意大利的神庙中十分典型.例如,1748年庞贝的发现,其中的遗物被画家摹仿和雕刻家模制以广泛流传,理论家们研讨它们形成的原则.历史学家和美学家们(其中最著名的为德国人温克尔曼)将它们称为"古典"并作为他们这一时代的范例,有摸索精力的艺术家们紧随这一观念,如十八世纪英国画家雷诺兹强调绘画的最高成就是在于表现古代希腊罗马的主题以及他们作品中的好汉气势和人的苦难.法国新古典主义画家大卫也追随这种理论,表现在他刻画豪杰的画面上.意大利新古典主义雕塑家基本上以古典的雕像为范本来描绘现代的男男女女."古典"的历史事件、神话以及哲学思想也日益有其广泛的影响,如歌剧的剧本多取材于这一时期的史实、神话及英雄人物.由于优秀的古代文化的影响,人们常将"古典"一词视为有杰出的、卓著的含意.不管是一首诗,还是一辆汽车,如果说是"古典的",那就意味着它是此类中的佼佼者.人们也往往倾向于把某个图案设计称之为"古典比率",意味着这个比率坚持了自然的均衡,并无独特或别树一帜,而是遵循规范的准则.正由于信仰这种"恰当的比率"和自然平衡的原则,使得古典时期的音乐风格迥异于其他时期.实际上这一时期的作曲家在考虑音乐结构时都遵循这一基本概念:一种调性间平衡的概念,给予听众明确的感觉这音乐如何进行;还有段落之间的平衡,听众在凝听一首乐曲时可以正确地知道紧接着出现的内容.作曲家的创造性只是对这个作曲体系和轮廓稍加变化,而不是机警地或富有进取精神地创作出乐曲来使听众着迷或惊疑.也可以说在音乐创作上不存在所谓"古典时期",仅有"古典风格".按照这种风格,海顿、莫扎特和贝多芬写出了他们的名作.如果说这是出色的典型,有一定的情理.但是这种风格并非仅仅出现于他们三人的作品中,这个时期的其他作曲家的创基础本上也是这种风格,也是按照这种传统.在巴洛克时期和古典时期之间,还有一些短暂的过渡阶段.其中之一是洛可可(Rococo),就像音乐史学者给巴洛克取名一样,是按照其风格而取名的.这一名称原是艺术史学者们专门用来指十七世纪末十八世纪初法国的装饰性艺术的.这一时期的法国建筑中,巴洛克式的宏伟、严格的风格分解或者柔化,成为类似贝壳制品(法语为rocaille)式的线条.由此发展出一种新鲜的、壮丽的、幽美的、富有想象的风格.像所有的法国文化及趣味一样,这种风格也敏捷传遍欧洲,在德国南部及奥天时特别盛行.如果说音乐和建筑等其他艺术的演变完全一样,那是不适当的,但在音乐中我们也可以看到浓墨重彩让位于优美、细微的精雕细琢,尤其在键盘乐中发挥得酣畅淋漓,许多一流的作曲家写了极尽装饰能事的乐曲,著名的格可可风格的作曲家当数法国的库普兰,在德国采用这种风格的是巴赫的同时代人泰勒曼和马特松,意大利作曲家有D.斯卡拉蒂.在C.P.E.巴赫、海顿、莫扎特等人的作品中犹可见到洛可可风格的余韵.另一个名词也来自法语galant(富丽风格),顾名思义是"华美",实在用于艺术风格,它的含义更要丰硕得多.首先是指欢乐,这是一种直爽的、率性的欢乐:感官的欢乐,...

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